VAN GOGH. La habitación de Arlés

VAN GOGH 
   LA HABITACIÓN DE ARLÉS o 
    Dormitorio en Arlés 
   Fecha. 1889
    Técnica: óleo sobre lienzo
     Formato: 57,5 x 74 cm.
    Estilo : postimpresionismo
    Localización actual.  Museo d´Orsay

    ANÁLISIS      
         Realizó tres versiones  comenzó la primera en 1888 mientras esperaba  la visita de Gauguin, Las otras dos las realizó en el sanatorio de Sain Remy en 1889 Esta que se presenta es la última  realizada tras superar una depresión y es una obra de pequeño formato lo que él llamo reducción dedicada a  su familia.
          
  VAN GOGH  según comunicó a su hermano Theo por carta  pretendía inspirar  la idea de tranquilidad, y sosiego a partir sobre todo del uso de tonos VERDOSOS y AZULADOS, que sugirieran «el descanso y el sueño en general».  

 
             El dormitorio es pequeño pero no claustrofóbico  con la ventana abierta al exterior , muy austero  con la cama , los objetos para su aseo , unos cuadros y las sillas que parecen  una insinuación para recibir visita. Esta austeridad quiere reforzar su idea de tranquilidad y paz.
       
      La forma del dormitorio es un trapecio con el lado más corto en el fondo y  su lado más amplio abierto al espectador.      
         
     En el cuadro  predomina el color con el que expresa sus  sentimientos o emociones.  
           
     Utiliza una línea gruesa  herencia del arte de las vidrieras ( cloisonismo ) ,con  las que contribuye al efecto volumétrico, para delimitar los colores.
   
      Pero lo esencial son sus colores que aplica    creando superficies planas , inspiradas en la estampa japonesa, a base de grandes manchas formadas con juegos  de colores complementarios : rojo y verde, amarillo y violeta, azul y naranja, delimitados por gruesas líneas
           
  Especial relevancia tiene el color rojo de la cama cuya calidez  otorga al dormitorio optimismo y  azul de las paredes  que se resalta con  los complementarios naranja y amarillos de los objetos.
        
      Las pinceladas se realizan  con mucha materia incluso a veces aplicaba directamente  el tubo sin mezcla. Recordamos como siempre estaba pidiendo dinero a su hermano para  comprar  los tubos de pintura.
    
  En cuanto a la perspectiva y encuadres se pueden distinguir:
          Una  perspectiva  clásica  marcada por  las líneas del suelo y de las paredes para crear el volumen de la habitación
    
      Pero tambien la pequeña estancia está vista con diferentes encuadres.  Los pies de la cama   son vistos desde abajo, pero  las  sillas, la almohada y  la parte superior de la mesa y el bodegón  están  vistas desde arriba. La mesa tiene dos encuadres uno bajo, las patas y otro alto el tablero 

              Mezcla de esta manera la tradición europea en la perspectiva con las simplificaciones japonesas, uniendo así sus dos fuentes de inspiración.
        
  Van Gogh  no olvida  a pesar de la austeridad los detalles  - las telas , los objetos sobre la mesa para el aseo-  - heredero de la tradicional  pintura flamenca  y holandesa.
        
  Si bien en gran parte se consigue  la intención de Van Gogh de dar «una sensación de solidez, de permanencia, de tranquilidad», también  existe cierta inestabilidad    a la que contribuye las paredes inclinadas y la percepción de que los objetos están a punto de resbalar y deslizarse hacia nosotros.
   
Este estilo al igual que el puntillismo , simbolismo, nabis, participan del mismo contexto histórico que el impresionismo.      

      EL AUTOR Y SU OBRA 
          Vincent Van Gogh ( 1853-1890) representa dentro del postimpresionismo  la introducción de EL COLOR COMO EXPRESIÓN DEL SENTIMIENTO INTERIOR  como contrapunto  al arte basado en lo racional  .
                       Personalidad atormentada que proyecta sobre su obra de arte.
                  La obra de Van Gogh sobresale por la expresividad de sus figuras e incluso de sus paisajes de gran intensidad .
              El color es lo más importante, pues se convierte en el vehículo con el que manifiesta sus alegrías o sus frecuentes depresiones. Utiliza  colores muy poderosos, independientes de la luz, en contrastes no frecuentes ( amarillo sobre naranja....), usando con intensidad los complementarios. Con el color y mediante gruesas pinceladas de pintura pura y mucha materia ( onduladas o sinuosas ) consigue el dinamismo.  
         Introduce en sus interiores varios puntos de fuga y en los paisajes eleva la línea del horizonte ocupando la tierra la mayor parte del lienzo.. Su obra poco estimada en su tiempo contrasta con la alta cotización en el mercado.

                    Primera versión 1888

                       Segunda versión 1889
     

     Autorretrato.  Realizado en el invierno 1887-1888 en el que se observa cierta influencia del puntillismo de Seurat en  las pinceladas